‘Stereophonic’ en el Pantages no alcanza las notas altas de Broadway

“Stereophonic”, el aclamado drama de David Adjmi que ganó cinco premios Tony, incluido el de mejor obra, está listo para su estreno en Los Ángeles.

La primera producción de la gira nacional, que se inauguró el miércoles en el Hollywood Pantages Theatre, parece estar como en casa en la capital mundial de la música. La obra sobre una banda de rock de los años 70 al borde del estrellato tiene lugar en estudios de grabación en Sausalito y Los Ángeles, donde el ambiente de Laurel Canyon nunca se pierde de vista.

La nitidez visible de este estreno en Los Ángeles contribuye en gran medida a disipar las dudas de que el Pantages sea el lugar equivocado para este drama coral. Si hay un problema, no es la cavernosidad del teatro. La producción, reluciente con detalles de época en un set de David Zinn que nos brinda vistas claras tanto de las salas de sonido como de management, habita cómodamente el espacio de actuación, al menos desde la perspectiva de un asiento de orquesta decente.

La obra, que incluye música authentic de Will Butler, el artista ganador del Grammy y ex miembro de Arcade Hearth, tiene un sonido tan robusto como el de uno de los musicales de gran éxito que pasan regularmente por Pantages. Las canciones, interpretadas por los actores a todo volumen, son una recreación de rock indie de Butler de cortes para una banda mitad británica y mitad estadounidense que guarda un parecido tan sorprendente con Fleetwood Mac que pleito presentada por un ex ingeniero de sonido y productor del grupo finalmente se resolvió.

Adjmi, como Shakespeare, se inspira donde la encuentra. Y al igual que el Bardo, hace suyas sus fuentes, alquimizando el materials para fines novedosos.

“Stereophonic”, que se desarrolló en 1976 y 1977, ofrece una perspectiva aérea de una banda en una encrucijada. Mientras graban un nuevo álbum lleno de expectativas, el grupo cae presa de conflictos románticos y espirales autodestructivas, de celos tóxicos e inseguridades hirvientes. La perspectiva de la fama magnifica patologías que se han ido intensificando con el tiempo.

Diana (Claire DeJean) es la Stevie Nicks de la banda. Hermosa, dolorosamente susceptible e inundada de talento lírico, está enredada en una relación con Peter (Denver Milord), el Lindsey Buckingham del grupo, que se esfuerza por alcanzar la perfección musical sin importar el costo.

Su conexión es tan enriquecedora profesionalmente como personalmente destructiva. La ambición de Diana va acompañada de sus dudas. Es inclined al Svengali pero no quiere que nadie le diga cómo escribir sus canciones.

Peter, furiosamente competitivo, no puede evitar resentirse por la facilidad pure del talento de Diana, incluso cuando es su canción de su primer álbum la que ha vuelto a poner a la banda en el centro de atención. El genio de él es ferozmente exigente, mientras que el de ella parece surgir naturalmente de su alma.

Artísticamente dependen el uno del otro, pero la tensión entre ellos es insostenible. Y como deja claro la obra, no hay manera de mantener su vida private fuera del estudio.

DeJean y Milord son los intérpretes más cautivadores del conjunto. Los otros actores son sólidos, pero esta producción en gira deja en claro cuán basic fue el elenco authentic para el éxito de la obra.

La producción de Daniel Aukin, que se estrenó en Nueva York en Playwrights Horizons en 2023 antes de trasladarse a Broadway el año siguiente, no ha perdido su fluidez segura. La narración está lúcidamente presentada. Pero las tentadoras peculiaridades de los personajes se han ido reduciendo.

Los miembros de la banda británica son los que sufren la peor parte. Holly, de Emilie Kouatchou, aleja al personaje de la obvia referencia a Christine McVie, pero su papel se ha vuelto más vago y menos central. Simon, el baterista y cansado supervisor de Cornelius McMoyler, cumple los requisitos en todos los aspectos excepto en la seriedad, que debe estar presente para que la confrontación last del personaje con Peter tenga la recompensa necesaria.

Nadie podía competir con Will Brill, quien ganó un Tony por su interpretación de Reg, un inocente trastornado cuyas adicciones y disfunciones crean un caos ridículo para la banda. Christopher Mowod no puede dotar a este “hombre triste envuelto en una manta”, como Simon llama a su abrigado compañero de banda, con el mismo nivel de locura feérica que Brill fue capaz de proporcionar de manera entretenida.

No valdría la pena destacar estas diferencias de reparto si no fuera por su impacto en una obra que se distingue por su detalle de observación. Todo es un poco más obvio, incluidos los dos chicos de sonido estadounidenses que soportan la peor parte de los temperamentos artísticos que se desenfrenan en el estudio.

Grover, interpretado por Jack Barrett, el ingeniero de sonido que mintió sobre sus antecedentes para conseguir el trabajo, lija algunas de las asperezas del personaje en una versión más directamente atractiva del personaje que la vigorizante interpretación de Eli Gelb en Nueva York. Charlie, el tonto asistente del ingeniero de sonido, de Steven Lee Johnson, es un bicho raro amable, aunque extrañé la forma en que Andrew R. Butler lo interpretó casi como un extraterrestre en Nueva York.

La obra ha sido editada, pero sigue siendo una prueba de resistencia. El arte no es fácil para los personajes ni para nosotros. Pero el esfuerzo no es en vano.

Los diálogos superpuestos y los silencios abiertos de Adjmi, orquestados en un estilo neochejoviano, hacen seen el proceso artístico invisible. Al last de la obra, el tumultuoso drama humano detrás de la brillantez creativa emerge en una gloria conmovedora y trascendente.